♢ Mattie Barbier – threads (Sofa Music, 2022)
♢ Ingar Zach – Musica liquida (Sofa Music, 2022)
♢ Jan Martin Smørdal / Øystein Wyller Odden – Kraftbalanse (Sofa Music, 2022)
Dopo una parziale diminuzione delle sue pubblicazioni negli ultimi due anni, l’etichetta norvegese Sofa Music diretta da Martin Taxt, Kim Myhr e Ingar Zach torna con una nuova veste grafica a cura di Stephen O’Malley e tre opere percorse da un evidente fil rouge: un approccio integralmente “profondo”, sia nell’esecuzione che nell’ascolto, più che mai rivolto alle odierne diramazioni della musica microtonale e della drone acustica. Tra improvvisazione e composizione contemporanea, ritroviamo qui alcuni illustri protagonisti della scena underground scandinava e una giovane promessa dagli Stati Uniti, anch’essa in piena sintonia con l’estetica del prestigioso marchio.
After a partial decrease in its publications over the last two years, the Norwegian label Sofa Music curated by Martin Taxt, Kim Myhr and Ingar Zach returns with a new graphic design by Stephen O’Malley and three works marked by a clear common thread: an entirely “deep” approach, both to performance and listening, more than ever directed at today’s branches of microtonal and acoustic drone music. Between improvisation and contemporary composition, we find here some illustrious protagonists of the Scandinavian underground scene and a young up-and-comer from the United States, the latter, too, being fully in tune with the aesthetics of the prestigious label.
Mattie Barbier
threads
Sofa Music, 2022
acoustic drone
Come ogni altro ambito musicale, anche quelli della sperimentazione e dell’avanguardia hanno avuto i loro protagonisti di maggior spicco e i loro album iconici, pietre miliari che hanno segnato un’epoca e ispirato nuove correnti di ricerca formale ed espressiva. Pochi di questi, tuttavia, hanno aperto una prospettiva così radicalmente diversa quanto Deep Listening (1989), leggendaria registrazione site-specific del trio formato da Pauline Oliveros, Stuart Dempster e Panaiotis: l’amplissimo riverbero naturale (circa 45 secondi) incontrato dai performer dentro una cisterna sotterranea a Port Townsend, Washington, non soltanto ha dato luogo a un dialogo strumentale di straordinaria ricchezza tonale, ma ha soprattutto conferito un inedito risalto al fenomeno del decadimento sonoro, componente intrinseca a qualsiasi evento acustico e perciò stesso compartecipe del fare musica.
Era dunque destino che, secoli dopo il florilegio della musica corale del Rinascimento, fosse la scena sperimentale a riscoprire la seduzione e la sfida dello spazio risonante; e lo hanno fatto in particolare i solisti, in un ideale confronto con sé stessi e con l’eco effimera dei loro gesti sonori – su queste pagine, ad esempio, si è parlato degli analoghi progetti di Christian Kobi, Jeremiah Cymerman e Michael Pisaro-Liu per tramite di Michael Francis Duch.
Dopo varie auto-produzioni che ne hanno delineato l’estetica, lɘ fiatista con base in California Mattie Barbier esordisce su Sofa Music con la prima parte di un dittico registrato presso il Tank Center for Sonic Arts a Rangley, Colorado: un altro ambiente in cui la propagazione del suono riesce a prevalere su qualsiasi presenza fisica, avviluppando lo spazio con mutevoli inflessioni ed effetti psicoacustici che altrimenti rimarrebbero soltanto nella sfera del potenziale.
Nelle cinque sequenze di threads i timbri corposi degli ottoni di Barbier (trombone ed eufonio) vengono quindi piegati alle esigenze di una rivelazione fenomenica il più possibile sfaccettata, individuando con assoluta consapevolezza gli interstizi che separano determinate altezze dagli ipertoni e dalle istanze “spurie” che la tradizione classica condannava o ignorava del tutto. Con ciò, tuttavia, Barbier nemmeno rinuncia a crogiolarsi in poderose accumulazioni di volume, disegnando idealmente nell’aria traiettorie di particelle tonali complementari, come baluginanti tessere di un mosaico le cui figure rivelano appieno la loro maestosità al passaggio della luce solare (“floating wave”).
Laddove in altre prove similari subentravano talvolta pause prolungate e silenzi apparenti, nelle sessioni di Mattie Barbier invece non viene mai meno quello pneuma atto a risvegliare con forza lo spazio, dall’iniziale trasparenza del puro respiro alla più solenne pienezza cromatica. threads è l’inebriante immersione in un dominio di frequenze al contempo abissali e sublimanti, una singolarità esperienziale che muta ad ogni ascolto senza perdere un grammo della sua pregnanza.
Like any other field of music, the experimental and avant-garde fringes, too, have had their most prominent protagonists and their iconic albums, milestones that marked an era and inspired new currents of formal and expressive research. Few of these, however, have opened up such a radically different perspective as Deep Listening (1989), the legendary site-specific recording by the trio of Pauline Oliveros, Stuart Dempster and Panaiotis: the vast natural reverberation (approximately 45 seconds) encountered by the performers inside an underground cistern in Port Townsend, WA, not only gave rise to an instrumental dialogue of extraordinary tonal richness, but above all conferred an unprecedented prominence to the phenomenon of sound decay, a component intrinsic to any acoustic event and therefore itself a rightful participant in music-making.
It was then by a twist of fate that, centuries after the florilegium of Renaissance choral music, the experimental scene rediscovered the seduction and challenge of resonant spaces; and soloists in particular did so, in an ideal confrontation with themselves and with the ephemeral echo of their sonic gestures – on these pages, for instance, we’ve discussed similar projects by Christian Kobi, Jeremiah Cymerman, and Michael Pisaro-Liu via Michael Francis Duch.
After several self-productions that delineated their aesthetics, California-based wind player Mattie Barbier debuts on Sofa Music with the first part of a diptych recorded at the Tank Center for Sonic Arts in Rangley, Colorado: another environment in which sound propagation ends up prevailing over any physical presence, enveloping space with shifting inflections and psychoacoustic effects that would otherwise remain only in the realm of potentiality.
In the five sequences of threads, the full-bodied timbres of Barbier’s brasses (trombone and euphonium) are thus bent to the needs of a phenomenal revelation as multifaceted as can be, locating with complete awareness the interstices that separate certain pitches from the hypertones and the “spurious” instances that classical tradition condemned or completely ignored. With this said, however, Barbier neither renounces basking in mighty accumulations of volume, ideally drawing trajectories of complementary tonal particles in the air, like glimmering mosaic tiles whose figures fully reveal their magnificence only when sunlight passes over them (“floating wave”).
Whereas in other similar works prolonged pauses and apparent silences sometimes came into play, in Mattie Barbier’s sessions what never fails is indeed the pneuma that powerfully awakens the space, from the initial transparency of pure breath to the most solemn chromatic fullness. threads is the intoxicating immersion into a domain of frequencies that are both abysmal and sublimating, an experiential singularity that mutates with each listening without losing an ounce of its poignancy.
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Ingar Zach
Musica liquida
Sofa Music, 2022
free impro, ambient/drone
Ancora risonanze, questa volta in un autentico luogo di culto per i musicisti sperimentali norvegesi e non solo: tra le imponenti mura del mausoleo di Emanuel Vigeland a Oslo – detta anche Tomba Emmanuelle – hanno lavorato artisti d’alto profilo quali Arve Henriksen, Maja S.K. Ratkje, Stian Westerhus e Michael Francis Duch, conferendo ai loro album una qualità sonora elusiva e quasi sacrale. Benché si fosse già confrontato con questo peculiare spazio assieme al trio Huntsville e al quartetto Dans Les Arbres, le sue recenti ricerche in seno alla Norwegian Academy of Music (NMH) hanno portato il rinomato percussionista Ingar Zach a ritornarvi da solista, al fine di mettere in pratica nuove tecniche che prevedono l’utilizzo di speaker vibranti posti a contatto con le pelli dei tamburi.
Nel solco di una poetica improvvisativa radicale cui hanno fatto da apripista maestri quali Eddie Prévost e Lê Quan Ninh, Zach ha sempre indagato con orecchie fresche le possibilità offerte da un approccio eterodosso alla strumentazione acustica: la grancassa orchestrale è divenuta nel tempo il suo piano operatorio, invero la tabula rasa sopra la quale sviluppare relazioni inedite tra oggetti sonori, mazze e archetti utili a stimolare le diverse materialità del tamburo.
In tal senso Musica liquida si qualifica come l’ideale evoluzione delle sessioni isolazioniste raccolte ne Le stanze (2016): laddove il precedente lavoro, infatti, evocava un perturbante rito atavico attraverso la sola gestualità umana, quest’ultimo trittico si serve degli input elettronici provenienti dai piccoli altoparlanti per stimolare effetti di amplificazione tali da conciliare tonalità squillanti e densi tremori di frequenze basse.
Le correnti di droni e onde sinusoidali regolate tramite software arricchiscono e deviano dai consueti binari performativi i soundscape elaborati da Zach che, se possiamo assecondare una metafora pittorica, sembra muovere da uno stile art brut verso l’espressionismo astratto; gli avvolgenti riverberi del mausoleo sfumano i contorni delle sorgenti acustiche, esaltandone le argentee cromie come di bagliori aurorali in perpetua transizione.
Una formula che, nella sua indiscussa novità, sembra talvolta sfuggire al controllo del percussionista con certe fitte tonali troppo brusche o d’intensità eccessiva: ma gli occasionali passaggi a vuoto – pur sempre da prevedersi in un contesto di sperimentazione – vengono ampiamente compensati una volta giunti all’apice delle più enfatiche saturazioni, momenti indicativi di un’arte sonora che matura e germoglia al nostro cospetto.
More resonances, this time in an authentic place of worship for experimental musicians from Norway and beyond: within the imposing walls of Emanuel Vigeland’s mausoleum in Oslo – also known as the Tomba Emmanuelle – high-profile artists such as Arve Henriksen, Maja S.K. Ratkje, Stian Westerhus and Michael Francis Duch have worked, lending their albums an elusive, almost sacral sound quality.
Although he had already confronted this peculiar space with the trio Huntsville and the quartet Dans Les Arbres, his recent research at the Norwegian Academy of Music (NMH) led the renowned percussionist Ingar Zach to return there as a soloist, in order to put into practice new techniques involving the use of vibrating speakers placed in contact with the drum skins.
In the wake of a radical improvisational poetics pioneered by masters such as Eddie Prévost and Lê Quan Ninh, Zach has always investigated with fresh ears the possibilities offered by a heterodox approach to acoustic instrumentation: over time, the orchestral bass drum (grancassa) has become his operating table, indeed the tabula rasa on which to develop unprecedented relationships between sound objects, mallets and bows useful for stimulating the different materialities of the drum.
In this sense, Musica liquida qualifies as the ideal evolution of the isolationist sessions collected on Le stanze (2016): where the previous work, in fact, evoked a perturbing atavistic ritual through human gestures alone, this latest triptych uses the electronic inputs coming from the small loudspeakers to stimulate amplification effects that combine ringing tones and dense low-frequency tremors.
The streams of drones and sine waves regulated via software enrich and deviate from the usual performative tracks the soundscapes elaborated by Zach, who, if we may indulge in a pictorial metaphor, seems to move from an art brut style towards abstract expressionism; the enveloping reverberations of the mausoleum blur the contours of the acoustic sources, enhancing their silvery colours as of auroral flashes in perpetual transition.
A formula that, in its unquestionable novelty, sometimes seems to escape the percussionist’s control with some tonal surges that are too abrupt or of excessive intensity: but the occasional idle moments – always to be expected in a context of experimentation – are amply compensated for once they reach the apex of the most emphatic saturations, moments indicative of a sound art that is maturing and blossoming right before us.
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Jan Martin Smørdal / Øystein Wyller Odden
Kraftbalanse
Sofa Music, 2022
chamber drone, microtonal
Siamo infine giunti al punto in cui la crisi energetica si è resa autoevidente: è stato necessario un aumento vertiginoso dei costi di consumo per portare l’attenzione su una problematica che economisti e ambientalisti, per ragioni differenti, hanno invocato senza successo nel corso degli ultimi decenni. Solo l’arte ha la capacità di sintetizzare questioni così complesse in forme sobrie e nondimeno ingegnose, traslando i dati della realtà scientificamente osservata entro soluzioni espressive di carattere universale.
Con il suo Ensemble NeoN, nel precedente album Choosing to Sing (Sofa Music, 2020), il compositore norvegese Jan Martin Smørdal aveva già dimostrato di propendere verso uno stile oggettivante, assai prossimo alle forme di “sparizione autoriale” che hanno caratterizzato, in particolare, molta ricerca degli ultimi anni. Con questa nuova composizione in tandem con l’artista Øystein Wyller Odden (sue le indagini sulla fenomenologia sonora della corrente elettrica), ogni seppur vago residuo di mimesi naturalistica è sacrificato alla più radicale astrazione, laddove è il procedimento aleatorio a divenire l’innesco e il fulcro del progetto.
Con spirito decisamente affine al compianto decano statunitense Alvin Lucier, il binomio Smørdal/Wyller Odden mette a frutto le imprevedibili – ancorché minute – variazioni di tensione elettrica collegando alcuni trasduttori alla cordiera di un pianoforte, quest’ultimo intonato in maniera tale da risuonare alla frequenza media di 50 Hz; soggetta alle normali fluttuazioni nella domanda e offerta energetica, la corrente alternata tende così a spostare costantemente il baricentro tonale, che a sua volta governa l’esecuzione della partitura affidata a un ottetto d’archi. Nei due take ininterrotti di 22 minuti esatti ciascuno, registrati nell’arco di poco più di un’ora, le occorrenze microtonali rispecchiano dunque l’effettiva instabilità energetica a Oslo nel pomeriggio del 1° giugno 2019, tratteggiando l’equivalente poetico di un grafico che indichi i rapporti tra tensione e resistenza in tempo reale.
Anche il suono, come la corrente elettrica, non è mai un flusso costante, una linea retta priva di increspature, bensì un fascio di onde che entra in relazione con lo spazio e con le possibilità di propagazione da esso offerte. Due fattori di indeterminazione che concorrono equamente a plasmare le fragili armonie di Kraftbalanse, esercizio di notevole difficoltà performativa in cui l’ensemble dà piena prova del suo virtuosismo “verticale”, attirandoci gentilmente nell’etereo, vibrante campo di forza congeniato da Jan Martin Smørdal in una forma così suggestiva.
Personnel: Vilde Sandve Alnæs, violin; Miriam Bergset, violin; Ragnhild Lien, violin; Julija Morgan, violin; Torunn Blåsmo-Falnes, viola; Tove Bagge, viola; Sverre Kyvik Bauge, cello; Inga Margrete Aas, double bass
We have finally reached the point where the energy crisis has become self-evident: it has taken a staggering increase in consumption costs to bring attention to an issue that economists and environmentalists, for different reasons, have unsuccessfully invoked over the past decades. Only art has the ability to synthesize such complex issues into understated yet ingenious forms, translating the data of scientifically observed reality into expressive solutions of universal character.
With his Ensemble NeoN, on the previous album Choosing to Sing (Sofa Music, 2020), Norwegian composer Jan Martin Smørdal had already demonstrated his leaning towards an objectivising style, very close to the forms of ‘authorial disappearance’ that characterize, in particular, much research in recent years. With this new composition in tandem with artist Øystein Wyller Odden (his were the investigations on the sound phenomenology of electric current), any even vague residue of naturalistic mimesis is sacrificed to the most radical abstraction, whereas it’s the aleatory procedure that becomes the trigger and fulcrum of the project.
In a spirit decidedly akin to the late American doyen Alvin Lucier, the Smørdal/Wyller Odden combo exploits the unpredictable – albeit minute – variations in electrical voltage by connecting a few transducers to the strings of a piano, the latter tuned to resonate at an average frequency of 50 Hz; being subject to normal fluctuations in energy supply and demand, the alternating current thus tends to constantly shift the tonal centre of gravity, which in turn governs the performance of the score entrusted to a string octet. In the two uninterrupted takes of exactly 22 minutes each, recorded over the course of little over an hour, the microtonal occurrences thus reflect the actual energy instability in Oslo on the afternoon of June 1st 2019, sketching the poetic equivalent of a graph showing the relationships between voltage and resistance in real time.
Sound, like the electric current, is never a constant flow, a straight line devoid of ripples, but rather a bundle of waves that relate to space and the propagation possibilities it offers. Two factors of indeterminacy that contribute equally to shaping the fragile harmonies of Kraftbalanse, an exercise of considerable performative difficulty in which the ensemble gives full proof of its ‘vertical’ virtuosity, gently drawing us into the ethereal, vibrant field of force conjured up by Jan Martin Smørdal in such an evocative form.
esoteros 